藝評人 Jonathan Jones 近日在《衛報》一篇文章「Flat, soulless and stupid: why photographs don’t work in art galleries」，引起了不少批評及爭議，其主張認為，現時很多人舉辦攝影展，使用與傳統畫展一樣的模式，放在畫框，掛在牆壁，於畫廊上讓公眾欣賞，但得到的效果卻是乏味、愚蠢的，就欣賞角度來看，攝影展根本無法與畫展相比。

這個立論當然引起不少人反感，尤其越來越多攝影師會舉辦攝影展，也視之為創作的一個嚴肅而重要的過程。但是，雖然原文措詞強烈，而且批評嚴苛，當中亦有值得探討的地方，尤其我們經常把攝影及繪畫作比較，也不妨看看兩者在展覽上的分別︰

(一) 信息量

從一般作品而言，攝影可說是「減數的藝術」，即是主體越單一清楚，照片越好看，這也是很多人奉行的原則，盡量只在相框內展示想拍攝的主體，而其他線索也是指向這個主體的，甚至最重要有感覺，而非細節。(有少數類別例外，下文再論)

但繪畫，尤其古典的西方油畫之類，卻是「加數的藝術」，畫家要從空白的畫布上，一筆筆的畫，每一筆每一劃都有其意義及目的，畫面非常豐富，以有限的畫框表達出最深入的思考與觀察，所以信息量非常高。

因此會出現藝評人所描述的情況，在攝影展的每一張照片，人們很容易幾秒就看完 (尤其是風景、生態類等)，但駐足觀看繪畫的時間卻長得多。

(二) 創作方式

繪畫是逐筆加上去的，有些作品更強調「用了 XX 年時間繪製」，而在欣賞的時候，畫面細緻度會反映出作畫的耐心；再加上繪畫 (油畫) 本身的材料、質感、工藝等，都是可堪欣賞而分析的，因此親身觀賞繪畫是有充份的意義。

但攝影作品所強調的「製作時間」卻截然不同，一來我們不會強調「用了 XX 年時間來 PS」，反而盡量隱藏修改痕跡；二來就算前期功夫做了多少，照片還只是捕捉極短瞬間，從內容上較難看到攝影師的努力。

很少人會特地 PS 一隻杯進照片，但很多畫家會為特別為畫作添一隻杯，因為前者是希望「將現實世界的一面框出來，以代表一種時代的現象」，但後者是「將內心的想像與反省繪畫出來，以進行辯證與探討」，或者兩者最終都是想表達自己的意見，及引發深入討論，但卻引導出截然不同的觀賞方式。

(三) 觀賞方式

攝影作品在電腦及互聯網時代可說極為成功，因為它簡單、清晰、易懂，兩三秒時間已經可以讓人印象難忘，亦正正毋須非常深入的解讀 (不少攝影師亦沒有這種意圖)；但是大多數照片，尤其是風景照、生態照、商業人像照、沙龍照之類，放在畫廊上展出時，卻通常只讓人看一眼就完結了，攝影展變成一種派對，一種攝影師自我肯定的手段。

至於繪畫作品，放在畫廊裏能夠讓人駐足觀看，甚至仔細發掘箇中奧妙。但公平一點講，當這些繪畫放到網上 (例如現時開始流行所謂 Online Gallery)，則顯得毫不吸引，過於複雜的畫面，以數碼方式展現時毫無魅力的色彩與光影，正正突顯出繪畫在這方面的不適應。

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原文的批評，其實忽略了攝影作品當中，亦有信息量非常龐大的作品，主要是那些擺拍的概念攝影，例如「王慶松以擺拍細說中國社會問題」即為一例。

又或現時很多攝影師會以「系列」方式來拍攝，即是信息以一整輯來表達，主要是紀實攝影，單獨一張的信息或許不夠傳統繪畫般豐富，但整輯下來的故事與思考，卻可以不下於繪畫，甚至作品自身亦會呈現出背後所經歷的時間。當然，這種信息往往透過互聯網 (例如 BTS 影片) 會展現得更好，但放在展覽裏，亦是一個不錯的選擇。

另一個問題是，攝影發展至今大約 200 年，但油畫，甚至繪畫本身已經有上千年歷史，當中經歷過漫長而曲折的變化與轉型，而我們探討的「富深度的繪畫作品」往往都是那些經典名作，不值一提、沒有觀賞價值的繪畫也是非常多。

但無可否認的是，我們必須了解自己的作品是否有展覽的價值，抑或，攝影展只是一種自我感覺良好、很有成就感的社交活動？當然，作為一種社交活動，我本人也不反對的，畢竟照片放大了來看，確實跟電腦上看是不同的。

你的看法又是怎樣？會認同原文作者所寫，照片還是用電子方式觀看比較好，但不適合放在畫廊裏嗎？

參考資料︰Flat, soulless and stupid: why photographs don’t work in art galleries